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Allora & Calzadilla

Dossier de premsa

06.02.2018 – 20.05.2018

Inauguració: 4 de febrero de 2018, a las 11h.

Allora & Calzadilla

6 de febrero–20 de mayo de 2018

Comisarios: Sara Nadal-Melsió y Carles Guerra

 

La severa vulnerabilidad climática y la masiva extracción de deuda que sufre la isla de Puerto Rico difícilmente pueden ignorarse en la medida que son el trasfondo que da un sentido político a las obras de Allora & Calzadilla.

Desde 1995, Jennifer Allora (1974, Estados Unidos) y Guillermo Calzadilla (1971, Cuba) colaboran en una práctica artística amplia y experimental. A partir de una labor de investigación, su obra traza las intersecciones entre la historia, la cultura material y la política en una variedad de medios que incluyen la performance, la escultura, el sonido, el vídeo y la fotografía.

Para esta muestra en la Fundació Antoni Tàpies, la primera de carácter monográfico en el Estado español, Allora & Calzadilla presentan una selección de obras producidas entre 2005 y 2018. La dimensión musical de estas piezas indica a los espectadores que aquí, muy posiblemente, lo visual se subordina a lo auditivo. Una obra conduce al visitante hasta otra, de modo que Stop, Repair, Prepare: Variations on “Ode to Joy” for a Prepared Piano, de 2008, puede llevar indistintamente al muro desde el que suena Wake Up, de 2007, o a la planta superior en la que Hope Hippo, de 2005, puede ser percibida gracias a las alertas de un silbato.

La exposición ni siquiera ha merecido un título específico, más allá del nombre de los dos artistas. Porque, como dice Jacques Attali, “en la composición, producir es en primer lugar y por encima de todo aceptar el placer de producir las diferencias”. De este modo la composición de Allora & Calzadilla convoca una multiplicidad de formas de estar en el mundo, formas de existencia que remiten a lo humano y a lo animal, a lo orgánico y a lo mineral. Para estos artistas lo acústico representa una expansión ininterrumpida que desafía la concepción perimetral del espacio museístico.

Pero puede que –a pesar de estas advertencias– el espectador se enfrente a obras cuyo aspecto sea el de un dispositivo inactivo, mientras otras
suenan o están siendo activadas por los intérpretes. Esa condición poco usual evoca el trasfondo en el que Allora & Calzadilla generan su obra. Un contexto marcado por la crisis múltiple que azota Puerto Rico, en especial la económica y la ecológica. El paso de los huracanes Irma y María a finales del pasado mes de septiembre ha dejado tras de sí una situación de emergencia que ha agravado la situación de la isla. La población se ha visto resignada a esperar la ayuda del exterior, lo que es –de acuerdo con el sociólogo Javier Auyero– un signo patente de otra forma de subordinación política. Una catástrofe que revela que el déficit económico es también reflejo de un déficit democrático, el mismo que mantiene a Puerto Rico bajo un régimen de colonialidad encubierta. Una ambiciosa obra como Puerto Rican Light (Cueva Vientos), encargada e instalada por la Dia Art Foundation en Guayanilla-Peñuelas y cuya exposición se ha clausurado hace pocos días, se introduce ahora en la Fundació Antoni
Tàpies sin una presencia material física. Lo hace mediante un debate y una proyección que convierten la obra en un rumor. Una obra de la que se habla sin necesidad de haberla visto.

Llistat d'obres

Wake Up, 2007

© Allora & Calzadilla

 

Wake Up es una instalación de luz y sonido donde un grupo de trompetistas de vanguardia, a petición de los artistas, interpretan Reveille, el toque de diana militar que indica a los soldados que es hora de despertarse y de empezar el día marcial. Los trompetistas interpretan y rehacen sónicamente este documento petrificado de la historia musical, lo revigorizan con nuevas asociaciones y significados y llevan la melodía original mucho más allá de su origen militar, en algunos casos hasta el punto de hacerla irreconocible. Como resultado, Wake Up se convierte en una plataforma de experimentación avanzada sobre las posibili-
dades de la trompeta como instrumento creativo, y la sitúa a una gran distancia de su origen en la tradición militar.

[Nivel -1]
Instalación de luz y sonido, con encargos de Jaimie Branch (EE.UU.), Stephen Burns (EE.UU.), Dennis González (EE.UU.), Franz
Hautzinger (Austria), Ingrid Jensen (Canadá), Leonel Kaplan (Argentina), Mazen Kerbaj (Líbano), Joan Magrané Figuera (Cataluña),
Paul Smoker (EE.UU.), Natsuki Tamura (Japón) y Birgit Uhler (Alemania).
Dimensiones variables
Cortesía de los artistas
Con la colaboración especial del Palau de la Música Catalana.

Stop, Repair, Prepare: Variations on “Ode to Joy” for a Prepared Piano, 2008

© Allora & Calzadilla

 

Un piano Bechstein de principios del siglo xx presenta un agujero en su centro, un hueco en el que un pianista puede meterse de pie para tocar el cuarto movimiento de la Novena Sinfonía de Beethoven. Conocida habitualmente como Himno a la alegría, su famoso coro final se ha invocado durante mucho tiempo como representación musical de la fraternidad humana y de la hermandad universal en contextos ideológicamente tan variopintos como la Revolución Cultural china, la Rodesia del supremacismo blanco de Ian Smith y el Tercer Reich, entre otros muchos. Hoy es el himno oficial de la Unión Europea. En una extensión tanto de la idea de piano «preparado» como de pianista, el intérprete se coloca en el hueco practicado en el instrumento y resitúa la digitación de las teclas al revés; al mismo tiempo, empuja suavemente el instrumento para trazar un itinerario a través del espacio expositivo.

[Nivel -1]
Piano Bechstein modificado, pianista
101 x 170 x 220 cm
Duración: 15 min (aprox.)
Cortesía Castello di Rivoli
Intérpretes: Luca Ieracitano y Adrià Bravo Hernández. Con la colaboración especial de la Escuela Superior de Música de Cataluña /
ESMUC Contemporània.

Apotomē, 2013

© Allora & Calzadilla

 

Apotomē toma como punto de partida el intento histórico humano, en el contexto de la Revolución Francesa, por comunicarse y crear nuevas relaciones con una serie de animales en cautividad, en este caso dos elefantes cariñosamente bautizados con los nombres de Hans y Parkie (o Marguerite), que llegaron al Museo de Historia Natural de París en marzo de 1798 como botín de guerra. En una investigación paralela, los artistas descubrieron a Tim Storms, un hombre con unas dotes vocales extraordinarias. Storms posee la voz más grave del mundo, capaz de llegar a notas tan bajas como un sol -7 (0,189 Hz), lo que significa siete octavas
completas por debajo del sol más grave producido por un piano. De hecho, la nota es tan grave que solo un animal tan grande como un elefante puede llegar a oírla.

[Auditorio de la Fundació]
Película de 16 mm transferida a HD, color, sonido
Duración: 23 min y 9 s
Cortesía Galerie Chantal Crousel

Lifespan, 2014

© Allora & Calzadilla

 

En Lifespan tres vocalistas interpretan una composición de David Lang silbando y resoplando frente a una piedra del período hádico, de cuatro mil millones de años de antigüedad, que cuelga del techo. El aliento de los cantantes empuja sutilmente la piedra como si fuera un péndulo, y se puede considerar una forma poética de movimiento mecánico. Al poner en contacto por primera vez esta muestra mineral con seres humanos, la performance relaciona el momento presente con el del origen de la Tierra, una época
en que ningún ser vivo contemplaba la transformación ecológica del planeta.

[Nivell -1]
Mostra mineral del període hadeà (gneis del riu Acasta, al nord-oest del Canadà), 3 vocalistes
Durada: 15 main (aprox.)
Composició: David Lang
Cortesia dels artistes

Intèrprets: Mariona Llobera, Daniel Morales i
Germán de la Riva, cantaires del Cor de Cambra
del Palau de la Música Catalana sota la direcció de Simon Halsey.

Temperament and the Wolf, 2014

© Allora & Calzadilla

 

Temperament and the Wolf és un experiment sobre els límits de l’afinació social i sobre la naturalesa de les reaccions afectives corporals en les respostes humanes. El projecte pren com a punt de partida el cinquè llop, un interval musical anòmal que produeix un to severament discordant que sembla un udol de llop. És més, l’expandeix fins a encabir-hi el temperament psicològic, determinat per mitjà d’una salutació amb encaixada de mans. En el moment d’entrar a la galeria, els visitants es troben davant de dues fileres de persones, totes les quals treballen en feines tàctils: per exemple, són músics, massatgistes, fisioterapeutes, artistes marcials, cal·lígrafs, grangers, ceramistes, mecànics, paletes, fusters, perruquers, cuiners, metges o veterinaris, entre moltes altres possibilitats. Tots ells allarguen la mà al públic que entra a la galeria. El gest actua com una interrupció de l’entrada normativa a l’espai expositiu.

[Nivell -1]
Performance
Durada indeterminada
Cortesia dels artistes
Suport coreogràfic: Rebecca Davies i Margherita Bergamo.

Amb un agraïment especial als seixanta voluntaris que hi participen.

4 de febrer del 2018.

Puerto Rican Light (Cueva Vientos), 2015-2018

© Allora & Calzadilla

 

L’obra d’Allora & Calzadilla Puerto Rican Light (Cueva Vientos), un encàrrec de llarga durada per a un espai físic concret que es va fer per a la Dia Art Foundation per a Guayanilla-Peñuelas, Puerto Rico, amplia el concepte arquitectònic de la cova i reubica l’obra d’art lumínica del 1965 de Dan Flavin Puerto Rican Light (to Jeanie Blake), impulsant-la amb energia solar, en una caverna calcària de trenta milions d’anys d’antiguitat. L’exposició va estar oberta al públic durant més de dos anys, del 23 de setembre del 2015 al 31 de gener del 2018, i s’ha desmantellat pocs dies abans que s’inauguri l’exposició de la Fundació Antoni Tàpies. L’exposició present estableix un diàleg amb Puerto Rican Light (Cueva Vientos) i proposa una meditació sobre l’obra d’art com a nota de fons i com a imatge residual que travessa tota l’exposició.

[Auditori de la Fundació]
Encàrrec site-specific de la Dia Art Foundation a Guayanilla-Peñuelas, Puerto Rico
Seminari i projecció
Cortesia dels artistes

A Man Screaming is Not a Dancing Bea, 2008

© Allora & Calzadilla

A Man Screaming is Not a Dancing Bear ofrece el marco necesario para el testimonio ecológico y la defensa de una justicia medioambiental en el paisaje traumatizado de la Nueva Orleans de después del Katrina. La película se centra en dos escenarios: el interior de una casa inundada del Lower Ninth Ward, el barrio históricamente pobre y de mayoría negra que quedó arrasado por
el fallo del sistema de diques, y las marismas de la parte baja del delta del Misisipi donde está ubicada la ciudad de Nueva Orleans. La película muestra un habitante del Ninth Ward, Isaiah McCormick, «tocando» un juego de persianas de su casa. Los ritmos de percusión que genera con este instrumento casero, un gesto que inevitablemente evoca los grandes experimentos musicales del Misisipi, exponen la parte interior de la casa a la luz exterior y generan un parpadeo inconstante que deja a la vista los sedimentos, las marcas y los restos irregulares provocados por los hechos recientes.

[Nivel 2]
Película de súper 16 mm, color, sonido
Duración: 11 min y 15 s
Cortesía Thyssen-Bornemisza Art Contemporary (TBA21)

Raptor’s Rapture, 2012

© Allora & Calzadilla

Bernadette Käffer, una flautista especializada en instrumentos prehistóricos, intenta tocar el instrumento musical más antiguo que se ha hallado: una flauta tallada por el Homo sapiens, hace 35.000 años, a partir de un hueso del ala de un buitre común. Este artefacto arqueológico aporta más luz sobre el papel de la música en el desarrollo social, la expansión territorial y la supervivencia evolutiva
de los primeros humanos. Käffer descubre el antiguo sonido de la flauta en presencia de un buitre común vivo, y así conecta un descendiente vivo con su antepasado a través de un rastro acústico de la cultura humana prehistórica.

[Palau de la Música Catalana]
Película de súper 16 mm pasada a vídeo en HD, color, sonido
Duración: 23 min y 30 s
Cortesía Galerie Chantal Crousel, Lisson Gallery, Kurimanzutto y Gladstone Gallery

Hope Hippo, 2005

© Allora & Calzadilla

Es evidente que Hope Hippo posee un imperativo contramemorístico. La obra experimenta con la práctica escultural anticuada de reproducir una forma animal en tres dimensiones. Y, sin embargo, degrada la función alegórica que suelen tener los caballos en los típicos monumentos ecuestres. En vez de un caballo de guerra cuya estatura quiera reflejar el cuerpo erecto y belicoso de su dueño humano, los artistas invocan a su monstruoso primo etimológico, el hippopotamus o caballo de río. En contraste con los materiales elevados y perdurables propios de la escultura clásica, como el mármol o el bronce, esta criatura cobra vida en una sustancia amenazada por la decadencia, el barro de río o arcilla; así, ofrece su cuerpo descomunal y feculento como atalaya desde donde un denunciante humano puede, mientras lee las noticias del mundo, usar el silbato para advertir de la injusticia.

[Nivel 1]
Barro, silbato, periódico, intérprete
487 x 152 x 121 cm
Cortesía Gladstone Gallery

Escultura realizada por Marga de la Llana con la colaboración de los alumnos de la Escuela Massana (Escuela de Arte y Diseño) y la Llotja (Escuela Superior de Diseño y Arte): Omar Aberqi Peters, Mikel Adán Tolosa, Raúl Barbero Vinuesa, Yoel Díaz del Caño, Alejandro Escribano Ocaña, Elena García Gómez, Virginia Gil Pérez, Irene Lenis Mundet, Pere Josep Llopart Lluch, Álvaro López
Efea, Xènia Martínez Llanas, Jorge Moreno Santos, Isabel Mur Crespo, Clara Vallejo Baruosell, Júlia Ventura Ricart y Carles Turó.

Sweat Glands, Sweat Lands, 2006

© Allora & Calzadilla

Sweat Glands, Sweat Lands es un ensayo visual, lírico y musical. Se asa un cerdo en una hoguera al aire libre, con el espetón sujeto a la rueda trasera de un coche. Cuando el coche acelera, el cerdo gira a diferentes velocidades, mientras la voz de Residente Calle 13, un joven cantante de reguetón de Puerto Rico, se dirige al espectador en español. Menciona los ejemplos de organizaciones sociales no humanas, como las de los murciélagos, las termitas y las hormigas a modo de posibles formas alternativas de vivir en comunidad, y describe una vía posible a través de la experiencia contemporánea. Parte realidad, parte ficción, el mundo sobrecalentado, superpoblado, restringido y asfixiado que describe es un estado hostil y antagónico de orden y desorden, calor y exceso, civismo y barbarie en una era de globalización armada.

[Terraza]
Vídeo en SD, color, sonido
2 min 21 s
Cortesía Galerie Chantal Crousel

Crèdits

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Col·laboradors


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Con el soporte de :

Thyssen-Bornemisza Art Contemporary TBA21, Galerie Chantal Crousel, Lisson Gallery, Kurimanzutto, Gladstone Gallery.

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