Anna Maria Maiolino

Esta exposición hace un recorrido por el trabajo de la artista brasileña de origen italiano Anna Maria Maiolino (Scalea, 1942), tomando como eje articulador sus dibujos, pero incluyendo también algunas de sus fotografías, películas, esculturas e instalaciones.
La exposición constituye la primera muestra retrospectiva del artista en el ámbito europeo.

El complejo trabajo de Anna Maria Maiolino se ha desarrollado a través de una gran variedad de medios: poesía, xilografía, fotografía, película, acción, escultura, instalación y, de manera permanente, mediante el dibujo. El amplio espectro de temas, intereses y actitudes que pueblan su trabajo no sigue un desarrollo lineal en la obra y en el tiempo. Sus diversos trabajos van tejiendo una red en la que los temas y actitudes se entrecruzan mientras los significados se deslizan de una obra a otra. Así, el tema de sus primeras xilografías y relieves de mediados de la década de 1960 (Glu Glu Glu, 1966-1967), que relacionan lenguaje y comida y aluden al tránsito intestinal, vuelve a aparecer en dos acciones de 1978, Monumento à Fome (Monumento al hambre) y Estado Escatológico, que ejemplifican el acercamiento de Maiolino a la temática del cuerpo: conectar lo que entra y sale de él. El mismo tema volverá a aparecer en la década de 1990: primero en las esculturas que evocan la comida en una bandeja o formas escatológicas (Segmentada n.¼ 1, 1993; Um, Nenhum, Cem Mil [Uno, ninguno, cien mil], 1993), y después en las instalaciones en las que acumula formas básicas de barro que semejan acumulaciones preindustriales o formas excrementales (Mais de Mil [Más de mil], 1995; Ainda Mais Estes [Y éstos también], 1996). Estas instalaciones de formas rudimentarias, iguales y diferentes, moldeadas directamente por gestos primordiales y repetitivos de la mano, evocan la pulsión de la vida en las cosas cotidianas y los gestos insignificantes. Hechas con barro sin cocer, estas grandes instalaciones tienen un carácter efímero, ya que el barro, una vez seco, acaba lentamente convertido en polvo. Las esculturas e instalaciones de este periodo apelan más a nuestro sentido táctil que al visual.

La correspondencia de la obra de Maiolino con los excrementos está directamente relacionada con la construcción de la subjetividad. La formación del sujeto tiene que ver a la vez con el lenguaje y con lo abyecto, que designa aquello que ha sido expulsado del cuerpo y convertido en un elemento ajeno, de manera que lo abyecto establece los límites del cuerpo mantenidos por la regulación social y el control, pero también los límites del sujeto. Maiolino entiende la subjetividad como relacional, y su trabajo negocia con dicotomías –dentrofuera, positivo-negativo, ausencia-presencia– de forma que estén abocadas a reconectarse en un proceso de transformación. En sus dibujos de la década de 1970, que ella define como trabajos “con” papel y no “sobre” papel –Buracos (Agujeros), de la serie Buracos/Desenhos Objetos (Agujeros/Dibujos objetos), 1972-1976, o Projetos Construídos (Proyectos construidos), 1972–, a Maiolino le interesa el espacio que no se ve, lo que hay detrás. Por eso, corta, rasga, rompe y luego cose o superpone los distintos papeles incorporando al trabajo el espacio posterior, en un intento de unir dicotomías y explorar la corporalidad del material. La artista utiliza el papel como espacio y cuerpo. Estos trabajos revelan una íntima negociación del espacio y sus agujeros parecen aludir al espacio interior que imaginamos en nosotros mismos (Buracos/Desenhos Objetos [Agujeros/Dibujos objetos], 1972-1976).

Ese mismo interés por el “otro” espacio, por el negativo, vuelve a aparecer en algunas esculturas de la década de 1990, en las que la artista utiliza para su elaboración el molde con el que se hace la escultura y que generalmente se desecha: el negativo. Los títulos de estas series –A Sombra do Outro (La sombra del otro), 1993; Ausentes, 1996– se refieren a lo que falta: mientras enseñan el espacio vacante donde existe la memoria del otro, evocan una nostalgia de la matriz por aquello con lo que se forma un solo cuerpo. En el trabajo de Maiolino hay también constantes alusiones a la situación política brasileña durante los años de la dictadura. Su película In-Out (Antropofagia) [Dentro-fuera (antropofagia)], 1973, además de unir lenguaje y cuerpo a través de la saliva, habla de la censura y la falta de libertad de esos años. El tema está presente en muchas obras de la artista, como en el film + – = – o la acción Monumento à Fome, 1978. La más conocida de sus acciones quizá sea Entrevidas, 1981. En ella, la artista camina lentamente sobre un suelo lleno de huevos que evoca el mandato biológico de la reproducción, mientras que el andar de la artista habla del cuidado de la vida y su potencialidad. Esta acción se realizó en el momento en que Brasil empezaba a abrirse a la democracia. Al poner el acento en la subjetividad relacional, en la relación entre comida y lenguaje o uniendo lo que entra y lo que sale del cuerpo, su trabajo rechaza el paradigma fálico de agresión o identificación, asimilación o ataque, que conforma socialmente la exclusión de todo lo que se considera diferente. En el trabajo de Maiolino encontramos muchos temas que se entrecruzan a través de los diferentes motivos que emplea como el gesto cotidiano, la pulsión de vida, la comida, lo abyecto, la fusión con lo otro, el cuerpo social, la topología afectiva, el cuerpo como lugar de reinvención de la existencia, la diferencia y la repetición, la construcción de la subjetividad, la antropofagia, la subjetividad relacional, etcétera. Visto en conjunto, su trabajo se despliega como una estructura rizomática, en la que los eslabones semióticos cargados de actos lingüísticos, perceptivos, sociales, gestuales y cognitivos van estableciendo conexiones trasversales entre sí. Y lo que aparece es un mundo en proceso descrito por una voz femenina. Todo esto, así como el rigor y la precisión de su trabajo, han convertido el trabajo de Anna Maria Maiolino en un referente para varias generaciones posteriores de artistas.